IN DUBLIN´S FAIR CITY... Molly Malone: la idílica pescadera irlandesa

 
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Tiempo ha que no escribía en este blog, a pesar de que el verano hace días que terminó y dejó que la rutina volviera a dominar nuestros días. Así, lo primero que debo hacer es pedir disculpas por mi larga ausencia por estos lares cibernéticos. Lo segundo, volver a invitaros a que me acompañéis en este camino en el que, como viene siendo costumbre, iremos descubriendo nuevas curiosidades. Bienvenidos, pues, a esta nueva fase del blog.
 

"En la alegre ciudad de Dublín, donde las chicas son tan guapas, en lo primero en que mis ojos se fijaron fue en la dulce Molly Malone…"

 

 

Así es como empieza la famosa canción que no sólo ha quedado ya establecida como el himno no-oficial de Dublín, sino también de toda Irlanda. Su letra narra la historia de una dicharachera pescadera que día a día paseaba alegre por las calles de Dublín. Pero, ¿qué tenía esta joven para llegar a ser tan conocida y pasar, transformada en canción, a convertirse en uno de los símbolos irlandeses? Su historia está plagada de lagunas, de misterio, de informaciones que algunos consideran puras mentiras mientras que otros las toman como verdades absolutas…

Nacida en la segunda mitad del s.XVII, Molly Malone era la hija de una familia que durante generaciones se habían dedicado a la pescadería. Ella, siguiendo con la tradición, contenta salía todos los días por las calles de Dublín a vender su mercancía al grito de "¡¡¡Mejillones y berberechos frescos!!!" llegando a ser muy conocida por todos los que habitaban en la que hoy es capital de Irlanda no sólo por su alegría, sino también por su belleza y don de gentes. Las malas lenguas afirmaban que, aunque de día pasaban las horas vendiendo pescado fresco, por las noches ejercía la prostitución. Sea como fuere, la muerte le sorprendió de manera inesperada el 13 de junio de 1699. Como era costumbre, salió una vez más a vender su mercancía, pero el malestar que llevaba arrastrando desde hacía días hizo que cayera desplomada en plena calle y, sin que nadie pudiera hacer nada por ella, la vida se le acabó. Así fue como empezó a crearse su leyenda.

En 1880, James Yorkston compuso la canción de la que hemos extraído los versos que inauguraban esta entrada. Llegó a alcanzar tal fama que rara es la tarde en la que en cualquier pub de la ciudad no se canta a coro acordándose de los idílicos días en los que la bella joven salía a vender su pescado. Para quien haya visto la mítica película de Stanley Kubrick, "LA NARANJA MECÁNICA", y recuerde la primera de las escenas donde un mendigo ebrio canta debajo de un puente, advertirle que lo que vocifera no es otra cosa que la famosa canción de MOLLY MALONE.

Años más tarde, en 1999, se acordó que el día 13 de junio, jornada en que unas fiebres acabaron repentinamente con su vida, quedara establecido como el DÍA DE MOLLY MALONE, en el que la visita a la estatua que se erigió hacia 1988 para conmemorar a la muchacha, en plena Grafton Street (una de las calles más comerciales de Dublín, si no la que más) se hace inevitable. Desde allí, con una largo vestido de generoso escote y tirando su carro cargado de cestos repletos de pescado, observa a todo el visitante curioso que no se resiste a pasar por su lado sin hacerse una fotografía con ella.

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LETRA:

 

In Dublin’s fair city,
where the girls are so pretty,
I first set my eyes on sweet Molly Malone,
as she wheeled her wheel-barrow,
through streets broad and narrow,
crying, "Cockles and mussels, alive alive oh!"

Alive-a-live-oh,
alive-a-live-oh,
crying "Cockles and mussels, alive alive oh!"

She was a fishmonger,
and sure ’twas no wonder,
for so were her father and mother before,
and they both wheeled their barrow,
through streets broad and narrow,
crying, "Cockles and mussels, alive, alive oh!"

Now I was a Rover,
and sailed the seas over,
so I bid my farewell to sweet Molly Malone.
And as I was sailing,
the wild wind was wailing,
crying, "Cockles and mussels, alive, alive oh!"

She died of a fever,
and no one could save her,
and that was the end of sweet Molly Malone.
Now her ghost wheels her barrow,
through streets broad and narrow,
crying, "Cockles and mussels, alive, alive oh!"

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Quien se fue a Sevilla...¡perdió su silla!

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Este dicho popular que se refiere a aquel que, habiendo dejado una plaza vacante y queriendo recupérala pasado un tiempo se la encuentra ocupada y sin intenciones de cederla, se remonta a los años en los que Enrique IV Trastámara era rey.

La plaza del arzobispado de Santiago de Compostela había quedado vacante y el arzobispo de Sevilla, Alonso de Fonseca y Ulloa, la quería para su sobrino que, por esa fecha era deán de la catedral hispalense. No sin dificultades consiguió el poderoso eclesiástico que en 1467 su sobrino marchara hacia Galicia para ejercer su nuevo puesto. Sin embargo, su poco tacto político hizo que la nobleza gallega no tardara en levantarse contra él. Su tío, temiendo la situación, acordó un intercambio de arzobispados durante un tiempo, hasta que lograra pacificar a los descontentos. La paz no tarda en conseguirse, por lo que en 1469, Alonso de Fonseca hizo los pertinentes preparativos para marchar hacia la Sevilla que había abandonado meses atrás. Contra todo pronóstico, su egoísta sobrino, lejos de agradecer a su tío el favor que le había hecho, se negó a dejar la silla arzobispal pues se había dado cuenta que la tranquilidad que se respiraba y las riquezas de las que se disfrutaban allí eran mucho mejores que las que había visto en el arzobispado de Santiago de Compostela. Poco  pudo hacer el atónito hombre ante la terquedad de su sobrino que se empeñaba en no abandonar su nuevo sitio, por lo que no le quedó más remedio que pedir la ayuda del Papa e, incluso, del Rey, para que el joven muchacho marchara al lugar que le correspondía.

Catedral de Sevilla

No se puede negar que este hecho debió de sorprender en la época hasta tal punto que se configuró un dicho popular que le tenía como protagonista. Sin embargo, la frase original difería algo de la actual pues el que perdía la silla era el que “se fue de Sevilla” y no a ella. Aún así, en España no ha caído en el olvido la curiosa disputa de aquél que perdió su silla y es común escuchar la expresión, sobre todo de la boca de los más pequeños.

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Bibliografía:

*Gibralfaro.uma.es

*Iribarren, J.Mª, El porqué de los dichos, Pamplona, 1995.

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La granja surca los aires: Historia del primer globo aeroestático

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Corría el otoño de 1783 y los experimentos de los hermanos Montgolfier estaban dando sus frutos: consiguieron que, sobre Versalles, y bajo la atenta mirada de Luis XVI, se elevara el PRIMER GLOBO AEROSTÁTICO tripulado del mundo [1]. El miedo a los efectos desconocidos del aire en las capas altas de la atmósfera llevó a que sus primeros pasajeros fueran animales. Así, un gallo, una oveja y un pato surcaron los aires parisinos durante casi 10 minutos, llegando a recorrer más de 2.000 metros. El experimento fue un éxito, por lo que tuvieron el permiso del monarca para planificar el primer vuelo con humanos: el científico Jean-François Pilâtre de Rozier y el marqués d´Arlandes fueron los afortunados que vivieron la experiencia de recorrer unos 10 km durante media hora de viaje. A partir de ahí, se sucedieron múltiples vuelos, que incluso llegaron a atravesar el Canal de la Mancha. Sin embargo, pronto estos globos de aire caliente fueron reemplazados por los de hidrógeno [2].

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Pero… ¿cómo surgió la idea de creación del globo aerostático? Hijos de un fabricante de papel, los inventores se encontraban jugando con bolsas de este material cerca de la chimenea de su casa, cuando se percataron de que éstas, cuando estaban invertidas, subían hacia el techo con el aire caliente. Este fue el comienzo de una cadena de experimentación que desembocó en la creación de una gigantesca bolsa de lino  (globo) del que pendía una cesta y que, gracias al aire caliente, podía surcar los cielos. Un gallo, una oveja y un pato fueron los primeros afortunados en vivir esta primera experiencia de sentir  “el mundo a sus patas”.

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[1] Hay teorías que apuntan que el verdadero creador del globo de aire caliente fue BARTOLOMEU LOURENÇO DE GUSMAC, un inventor y sacerdote jesuita, al que le vino la idea de la creación al ver cómo se elevaba una pompa de jabón al pasar sobre una vela. Inmediatamente se puso a trabajar y presentó su proyecto en una demostración pública ante Juan V de Portugal (1709). Su “globo” tan sólo se elevó 4 metros y pronto comenzó a arder. La persecución de la Inquisición le impidió seguir investigando sobre su descubrimiento.

[2] Hacia 1960 las industrias Raven volvieron a impulsar el globo de aire caliente, aunque los materiales habían cambiado: el nylon y el propano eran ahora los protagonistas.
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Bibliografía:

*Profesorenlinea.cl

*Siempreenlasnubes.com

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Su majestad “es-coja” entre el clavel y la rosa…

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El orgullo de Quevedo no resistía desafíos. Cuando un miembro, de los muchos que poblaban la compleja Corte de Felipe IV, le retó a espetar delante de la reina, de manera directa, su peor defecto, del que todos se burlaban, no lo dudó. Mariana de Austria no consentía que nadie la ridiculizara por su cojera, por ello, cuando se enteraba que a sus espaldas habían estado criticándola o riéndose de ella por padecer esta falta, montaba en cólera. Al declarado enemigo de Góngora, esto le importaba bien poco: tenía un ingenio que estaba muy por encima de todos los que le rodeaban.

-¿Hay que decir a la reina, en su propia cara, que es coja? ¿Dónde está el problema?-, debió de pensar el avispado Quevedo.

Con dos flores en la mano, una con una rosa, otra con un clavel, se dirigió hacia la soberana, y muy cortésmente se las ofreció diciéndole: “SU MAJESTAD ES-COJA ENTRE EL CLAVEL Y LA ROSA…”, y no contento con ello le volvió a repetir “…ENTRE LA ROSA Y EL CLAVEL, SU MAJESTAD ES-COJA OTRA VEZ”.

No sabemos si Mariana de Austria se percató o no de la ironía, pero lo cierto es que Francisco de Quevedo superó el reto y ganó la apuesta del osado cortesano que se atrevió a dudar de su ingenio.

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1000 años de guerra en 5 minutos

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Interesante video que nos muestra, en tan sólo 5 minutos, y de manera muy visual, las batallas que desde el año 1000 hasta el 2008 han asolado el mundo.
El video está hecho desde una evidente perspectiva europea, por lo que las guerras en el continente americano, en este video, sólo comienzan tras su descubrimiento por Colón.

Asimismo, es significativo observar lo turbulenta que fue la Edad Moderna, sólo superada por las dos catastróficas guerras mundiales.
Una sugerente manera de darnos cuenta del afán batallador que tanto ha hecho padecer a la humanidad. Detrás de cada efímera llamarada que se ve en el video, hay miles de vidas -unas acabadas, otras destrozadas-, que hoy quedan reducidas a unas simples palabras: “BATALLA DE…”

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Fuentes:

*HistoriaEnVideo.blogspot.com
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Los reyes de la baraja francesa

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La baraja francesa, creada hacia el s.XV, está compuesta de 52 cartas que se agrupan en 4 palos: dos rojos (corazones (♥) y diamantes (♦) y dos negros (picas (♠) y tréboles (♣)). Sin embargo, este juego de cartas tiene una peculiaridad respecto al resto: todas las cartas tienen nombres propios que corresponden a importantes personajes históricos que han ido variando en consonancia con los gustos de la sociedad y los vaivenes que la Historia ha ido imponiendo. Esta es su singularidad.

Fijándonos en las cartas de los reyes de la primera baraja que surgió, podemos observar cómo el rey de picas corresponde a DAVID, rey de los judíos; el de tréboles a ALEJANDRO MAGNO, uno de los personajes más destacados de la Grecia Clásica; el de corazones a CARLOMAGNO, el famoso emperador del Sacro Imperio; y el de diamantes de JULIO CÉSAR, representando a la Roma Antigua.
Estas figuras irían variando, encontrándonos con cuartetos de personajes de la Antigüedad Clásica, reyes de Francia, escritores famosos, o incluso, virtudes personificadas, que fueron representadas como reyes de esta original baraja francesa.

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Imagen 1: Los reyes de la primera baraja francesa: David, Alejandro Magno, Carlomagno y Julio César.
Imagen 2: Durante la Revolución Francesa, los reyes fueron convertidos en ciudadanos, que quedaron representados en sabios personajes de la Antigüedad Clásica: Solón, Platón, Catón y Bruto.
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Fuentes:
*Barajeando.com
*Acanomas.com

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Il Pasquino

Grabado de época moderna de Il Pasquino,
rodeado de los papeles satíricos

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La RAE define “pasquín” como un “escrito anónimo que se fija en sitio público, con expresiones satíricas contra el Gobierno o contra una persona particular o corporación determinada”. Asimismo, nos informa que su origen deriva del latín “Pasquino”, que según afirma era una “estatua, en Roma, en la cual solían fijarse libelos o escritos satíricos”.

¿Por qué se le llamó así a la escultura? ¿Quién era IL PASQUINO? Hay diferentes versiones sobre su identidad, algunas apuntan a que hace referencia a un personaje sacado El Decamerón de Bocaccio, otros que era un artesano romano, un barbero, un maestro, e, incluso, hay versiones que afirman que era un sastre de la Corte. Sea como fuere, nuestro protagonista se llamaba Pasquino y sus sátiras y ataques tanto al poder real como al de la Iglesia, le granjearon una gran fama en la Ciudad Eterna.

En 1501, se encontró una estatua antigua en la calle donde Pasquino residía. Era una escultura de, aproximadamente, el s.III a.C, muy deteriorada, cuya temática no está clara, pero que parece representar a un guerrero heleno, siendo  la teoría de que es Menelao defendiendo el cuerpo muerto de Patroclo, la más aceptada. Al pueblo no le gustó, sin embargo, el Cardenal Caraffa se negó a esconderla y mandó exponerla, sobre un pedestal, en una de las esquinas del PALACIO BRASCHI.

La escultura se empezó a conocer con el nombre de Il Pasquino en honor al mordaz romano que residía en la vía donde se halló, aunque también algunos, los que apoyan la teoría de que Paquino era un maestro, afirman que fueron los alumnos de este los que, viendo que el hombre representado en la escultura tenía un curioso parecido con su educador, la pusieron ese apelativo.

Con el paso del tiempo, se tomó la costumbre de adornar la escultura con papeles anónimos cargados de ironía que atacaban a los mandatarios, a personajes importantes de la ciudad… apoyándose en que la persona los firmaba era el mismísimo Pasquino (ya muerto cuando se encontró la piedra), por lo que a estos escritos se les pasó a conocer con el nombre de PAQUINADAS [1].



Il Pasquino, actualmente

 Fueron varias las “estatuas parlantes” (como se las pasó a conocer), que, como esta, adornaban el centro de Roma y que eran adornadas con críticas, casi siempre en verso, que atacaban con malicia la corrupción de las clases dominantes, sin perder, eso sí, el sentido del humor. Sin embargo, la de Il Paschino fue la que más fama adquirió. Los poderosos de la ciudad, que eran, evidentemente, los perjudicados con estas críticas intentaron frenar la fama de las estatuas parlantes, prohibiendo que se colocaran papeles en ellas y multando al que lo hiciera, e, incluso, en ocasiones, llegando a decretar la destrucción de las esculturas. Sin embargo, aún hoy, siglos después, muchas siguen “hablando” de los temas más candentes de la actualidad romana, con el mismo tono irónico con el que se popularizaron el s.XVI.

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[1] Uno de los más conocidos pasquines fue el que se colgó de esta estatua manifestando la corrupción de los Barberini, que estaban destruyendo valiosas obras de la Antigüedad: “Quod non fecerunt babari, fecerunt Barberini”.

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Fuentes:

*GabineteDeCuriosidades

*ConociendoItalia.com

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La muerte de Fernando el Católico

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En 1505, un año después de la muerte de Isabel la Católica, Fernando II de Aragón y V de Castilla, con 53 años de edad, contraía matrimonio con Germana de Foix, 36 años más joven que él.

La francesa, a pesar de la edad del monarca, se empeñó en tener descendencia con él y, para ello, intentado aliviar el paso de los años, utilizó cuantos tratamientos eran conocidos en la época para mejorar su potencia sexual. De hecho, era ella misma la que le preparaba extrañas mezclas a base de cantáridas (un insecto de la zona mediterránea) para que las tomara. Otras crónicas nos informan que, además de este producto, también ingería un cocimiento a base de testículos de toro. Al parecer, todos estos remedios naturales dieron su resultado ya que, en 1509, Germana de Foix parió un niño, Juan, que, sin embargo, murió a las pocas horas de nacer. Así, la noble gala volvió a su empeño de volver a quedar preñada, por lo que su esposo hubo de ceder a volver a ingerir los ungüentos afrodisiacos.

El 23 de enero de 1516, Fernando el Católico, con 64 años de edad, cuando iba de camino al monasterio de Guadalupe, hizo una breve parada y tomó los “potajes” para satisfacer a su fogosa esposa. Sin embargo, ingirió una sobredosis del producto, lo que le provocó una hemorragia cerebral que acabó con su vida.

Es curioso, pero, además, años antes del fallecimiento, un adivino le había vaticinado que moriría en Madrigal (Ávila), por lo que el rey se cuidó mucho de no acercarse a ese lugar: el sitio donde murió sería Madrigalejo (Cáceres).

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Fuentes:

*VALLEDOR, A: Envenenamientos por animales, Madrid, Ed. Díaz de Santos, 1994.

*MISRAHI, A: En la cocina de Afrodita, Barcelona, Ed. Robinbook, 2008.

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Ir de picos pardos

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Esta conocida expresión, que, hoy, hace referencia a salir de parranda, de juerga, a divertirse…, tiene un antiguo origen.

Ya en el Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, en su tercera edición (1791) se definía el dicho como “una frase con la que se da a entender que alguno, pudiendo aplicarse a cosas útiles y provechosas, se entrega a las inútiles e insustanciales, por no trabajar y por andarse a la briba”.

Sin embargo, nos debemos remontar a un tiempo más lejano para comprender su surgimiento.

Ya desde las primeras décadas de la Edad Moderna, las Ordenanzas de la Real Casa Pública de Sevilla exigían que las prostitutas debían llevar como traje algo parecido a “un hábito franciscano de estameña, pardo, con picos en los codos, una pañoleta cruzada sobre el pecho, blanca y limpísima, el pelo recogido hacia arriba y sujeto atrás, y una toquilla sin restrillo” [1]. A este vestido, en ocasiones, se le solía añadir un lazo azul de cinta de seda, que colocaban sobre su hombro izquierdo. Ni que decir tiene que los vestidos talares, las sombrillas o los guantes, prendas de mujeres decentes, estaban prohibidas dentro de su vestuario.

Con esto, vemos que lo que se les imponía, por decirlo de una manera clara, era una especie de “uniforme”, para que pudieran ser fácilmente distinguidas, cuyo rasgo más característico era el color pardo y el corte en picos.
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Por otro lado, se debe añadir, que las prohibiciones hacia estas “vendedoras de amores de cinco minutos” –como también se las llama en las fuentes de la época- no acababan aquí ya que, además de que se les impedía salir a la calle sin la indumentaria que acabamos de describir, debían ir siempre acompañadas de una especie de “dueña”, una anciana que se hacía responsable de la infracción de cualquiera de los capítulos de la Ordenanza sobre las mancebías, que hemos citado anteriormente. No podían, de mismo modo, pararse en la calle a hablar con nadie, ni pasear…A esto se sumaba que tenían el acceso restringido tanto en la Iglesia como en los teatros.

Así, vemos que, en un primer momento, “irse de picos pardos” hacía referencia a los hombres que salían con mujeres de la vida que eran las que, como distintivo, llevaban ese traje pardo, con picos. No será hasta el s.XX cuando la frase se empiece a utilizar, indistintamente, con los dos sexos, con un significado muy parecido al que hoy conocemos.

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[1] FERNÁNDEZ Y GONZÁLEZ, M., La esclava de su deber, Madrid, 1875, p.31.

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Fuentes:

*IRIBARREN, J.Mª: El por qué de los dichos, Pamplona, 1995.

*FERNÁNDEZ Y GONZÁLEZ, M., La esclava de su deber, Madrid, 1865.

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Imagen: Pintura de la Edad Moderna representado la ciudad de Sevilla y sus alrededores.
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Océano ¿PACÍFICO?

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En 1510, Vasco Núñez de Balboa, destacado explorador español, en una de sus campañas de conquista de territorios del Nuevo Mundo, que estaban marcadas por las alianzas o el sometimiento de los indígenas, informó a sus compañeros que conocía un buen lugar para poblar donde, además, los indios no les atacarían con las fechas envenenadas que solían utilizar para defenderse del invasor. Una vez allí, en territorio de lo que hoy conocemos como Panamá, Balboa llevó a cabo una política de alianza con las tribus cercanas de la región, estableciendo pactos de amistad y, expoliando el oro que abundaba en ese territorio.
Panquiaco, el hijo del cacique de la región, quedó muy sorprendido por la habilidad de los españoles para conseguir oro. Así, se dirigió a Balboa para aconsejarle que si lo que verdaderamente les interesaba era conseguir ese mineral, debían buscarlo en los terrenos donde abundaba: en la “otra mar”. Esta fue la primera noticia que los españoles tuvieron de que existía un mar diferente al que conocían, ese que les había llevado desde su Península natal a aquellas tierras desconocidas.
Poco tardó el conquistador en organizar una exploración. El 2 de septiembre de 1513 partieron para descubrir, el 29 del mismo mes, en nombre de la Reina de Castilla (doña Juana, de la que, en ese momento, era regente su padre Fernando), estando en el Golfo de San Miguel, lo que denominaron como MAR DEL SUR. De todo ello levantó acta un escribano que tomó a dos testigos que probaron el agua para verificar que, efectivamente, era salada.
Años más tarde, ya bajo el gobierno de Carlos I, el portugués Magallanes, después de ver rechazado su proyecto conquistador por el rey de Portugal, expuso al monarca español su teoría de que las islas de Especiería (en la actual Indonesia), en las que abundaban productos de una riqueza extraordinaria, estaban dentro de la demarcación española que se acordó en el Tratado de Tordesillas. En 1518 consiguió firmar la capitulación que le autorizaba a ir a descubrir estas tierras. Evidentemente, para llegar a ellas había que hallar en América un estrecho que les permitiera llegar hasta ellas. El viaje, por tanto, quedó proyectado como una expedición hacia las Indias que tenía como objetivo la búsqueda del paso interoceánico que les permitiera llegar a las islas, regresando, luego, por el mismo camino (Juan Sebastián Elcano, que también iba en la expedición, cambió repentinamente el itinerario y transformó el viaje en la primera vuelta al mundo).

Partieron el 20 de septiembre de 1519 de San Lúcar de Barrameda. Muchas fueron las desavenencias que durante el trayecto se produjeron, la mayoría ocasionadas por el autoritarismo de Magallanes. De los 5 buques con los que comenzó la travesía y que avistaron el ansiado estrecho, sólo 3 siguieron el rumbo y lo atravesaron, saliendo a la Mar del Sur. Era 27 de noviembre de 1520 y ese océano, debido al cambio de dirección de los vientos alisios, estaba en calma (cosa rara en sus turbulentas aguas en las que los tifones, huracanes y seísmos abundaban). Así, los conquistadores le dieron el nombre de OCÉANO PACÍFICO, apelativo con el que se le sigue conociendo hasta nuestros días.
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Fuente: LUCENA SAMORAL, M, “América Moderna (1492-1808)”, en: CIUDAD, A., et alii, Manual de Historia Universal: América, Madrid, Historia 16, 1992.
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Imagen 1: Mapa Ortelius de 1570 representando el continente americano de acuerdo con los conocimientos de la época

Imagen 2: A la derecha, grabado escenificando el momento en que Vasco Núñez de Balboa arribó al océano Pacífico; a la izquierda, retrato de Fernando de Magallanes.
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“QUOD NON FECERUNT BARBARI, FECERUNT BARBERINI”

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“Lo que no hicieron los bárbaros, lo hicieron los Barberini”

Con esta curiosa frase, en el año 1625, los romanos adornaron a Il Paschino, una estatua parlante de la Roma Moderna a la se solía “vestir” con numeroso mensajes de crítica.
¿Por qué se hizo esta inscripción satírica atacando a la famosa familia noble de los Barberini? Debemos tener en cuenta que el Papa que gobernaba los destinos católicos desde 1623 era Urbano VIII, miembro de la familia de los Barberini que, actuando como mecenas de las artes y queriendo construir una bella Roma Barroca, se encargó de destrozar valiosas obras de la Antigüedad, despojándolas de sus ricos materiales para utilizarlos en la construcción de otros monumentos. Dos de los edificios más dañados fueron el COLISEO, cuyas piedras de mármol travertino fueron expoliadas para, posteriormente, emplearlas en la construcción del Palacio Barberini; y el PANTEÓN, al que se le despojó del maravilloso bronce que cubría su cúpula para usarlo en la creación del Baldaquino de Bernini y de los cañones que guardarían el Castillo del Saint Angelo.
Edificios que perduraron durante siglos, aguantando, incluso, el paso de los terribles bárbaros, eran en el ahora saqueados sin reparo.
Este ataque a algunas de sus más preciadas obras no fue pasado por alto por los romanos modernos, que, con frases atacantes como la del título, criticaban lo que se estaba haciendo con su más preciado pasado, el de la Antigüedad.

Imagen 1: Maffeo Barberini, el Papa Urbano VIII.

Imagen 2: A la izquierda, una reconstrucción del Antiguo Panteón, con la cúpula de bronce; a la derecha, una de las partes del Coliseo destruída por los saqueos de piedra.
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Picota Tonel

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De origen austriaco, y diseñada para castigar, sobre todo, a los borrachos que alteraban el orden de las urbes, la PICOTA TONEL se utilizó desde el s.XV al s.XVIII

Había dos tipos de este artilugio:
*Por un lado, la PICOTA TONEL ABIERTA, que debía ser cargada por la víctima públicamente. El gran peso de este ingenio de madera provocaba un intenso dolor haciendo padecer profundamente al torturado.
*Por otro lado, la PICOTA TONEL CERRADA, en la que junto al acusado se debía introducir gran cantidad de orines, estiércol o agua podrida.

Ambas tenían un mismo objetivo: hacer que el malhechor recibiera los vituperios de la gente que pasara por las calles y le viera con este curioso instrumento, además de, evidentemente, proferirle dolor o causarle infecciones.
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Imagen 1: Grabado de un acusado llevando una picota-tonel.
Imagen 2: Picota tonel expuesta en la Galería de la Tortura, de Córdoba.
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Fuente: Galería de la Tortura, de Córdoba.

THANKSGIVING DAY

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En el Día de Acción de Gracias (Thanksgiving day) muchos son los estadounidenses y canadienses que, reunidos con familiares y amigos, comparten un banquete (en el que no suele faltar un pavo) para dar gracias a Dios. Los primeros lo celebran el cuarto jueves de noviembre, mientras que los segundos el segundo lunes de octubre.
Pero, ¿cuál es el origen del Día de Acción de Gracias? Hacia 1608 más de una treintena de ingleses procedentes de una comunidad religiosa denominada “separatista” (por no querer ceñirse a las reglas de la religión anglicana), sintiéndose acosados, no vieron otra salida que la de marchar a vivir a los Países Bajos, mucho más tolerantes con los protestantes. Sin embargo, no todos se lograron adaptar al cambio, por lo que decidieron buscar una nueva alternativa para conseguir una vida mejor: viajar a América e instalarse en una colonia que los ingleses tenían en el Nuevo Mundo: JAMESTOWN (en Virginia). Consiguieron que la Compañía comercial de Virginia, con el consentimiento del rey Jacobo I, les llevara en sus navios rumbo al contiente americano.
Así, en 1620, se embarcaron en el Speedwell, rumbo a Southampton donde les esperaba otro navío, el Mayflower, y donde se les unieron otros emigrantes ingleses que formaron una tripulación de 102 personas que tuvieron que viajar apretujados en este último barco tras varias averías que impidieron al Speedwell proseguir su trayecto.
La travesía no fue fácil: a la falta de espacio que dificultaba la convivencia, se unía el desfavorable temporal que les acompañó durante casi todo el viaje. Cuando al fin llegaron a América, varios fueron los que se negaron a quedarse en la colonia inglesa, con una mayoría de población anglicana que les haría vivir en el mismo aislamiento que soportaron en Inglaterra. Por ello, decidieron continuar su viaje hacia el norte y alejarse de este territorio llegando, a mediados de diciembre, a un enclave en el que el explorador John Smith ya había estado y al que bautizó como PLYMOUTH.
Sin embargo, las adversidades no habían acabado: la época del año en la que habían llegado a tierras americanas no era la propicia para comenzar a cultivar. A esto se sumaba que las enfermedades que habían contraído durante el viaje, el frío y esta falta de víveres hicieron que cuando comenzase la primavera hubieran muerto la mitad de los colonos. En esta situación, fue vital la ayuda de los indígenas que no tuvieron ningún problema en enseñarles a cultivar la tierra de la manera en la que ellos lo hacían. Meses después, los peregrinos del Mayflower recogían su primera cosecha en América. Fue tan abundante que decidieron organizar una fiesta durante 3 días para dar las gracias a Dios. A esta celebración se unieron, también, los indígenas. En los años siguientes se seguirá con esta costumbre, hasta que en 1789 el presidente Georges Washington la convirtió en fiesta nacional de Estados Unidos pasando a conocerse como THANKSGIVING DAY.
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IMAGEN: El primer Día de acción de gracias, pintado por Jean Leon Gerome Ferris
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Fuente: ESCOBAR GOLDEROS, M. (2007): “Los peregrinos del Mayflower”, Historia National Geographic, septiembre de 2007, no.43, pp.21-24.
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La fuente de inspiración de la Capilla Sixtina: ¿un burdel?

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El 12 de noviembre de 2010 saltó la noticia: Miguel Ángel pudo inspirarse en ambientes relacionados con la prostitución para crear su magna obra: la Capilla Sixtina. Ha sido la estudiosa Elena Lazzarini la que, con la noticia, publicada en el conocido diario “Corriere della Sera”, ha hecho estallar la bomba.

En la Italia del s.XVI proliferaron unos espacios, llamados stufa, que formaban una especie de baños turcos, donde, además, se realizaban tratamientos de belleza y donde había estancias apartadas dedicadas a la práctica de la prostitución masculina y femenina. Hasta allí se pudieron desplazar muchos artistas para estudiar los cuerpos que serían plasmados en sus obras: Miguel Ángel, Leonardo o Bronzino, serían algunos de los que tomaron como modelos a los asiduos a estas stufa.

Lazzarini, para afirmar esta teoría, afirma que "los cuerpos masculinos, muy viriles, que componen la pintura del Juicio Final corresponden con la apariencia física de peones y cargadores retratados durante el trabajo, con los músculos tensados y con el cansancio y el esfuerzo reflejados en sus rostros". Peones y cargadores, es decir, los usuales visitantes de las stufa

En cuanto a la obscenidad que puede derivar de estas escenas y que se plasma en las figuras de muchos de los personajes representados en los frescos de la Capilla Sixtina, la estudiosa italiana es clara: "Un condenado, por ejemplo, es conducido al infierno agarrado por los testículos y entre los beatos se producen besos y abrazos ambiguos, claramente de naturaleza homosexual".

Esto, la obscena verdad que se esconde tras los cuerpos de los protagonistas de las pinturas, ya fue percibido cuando se celebró el Concilio de Trento (1545-1563) y se temió que la Capilla Sixtina pudiera ser destruida. De hecho, un discípulo de Miguel Ángel se vio obligado a dibujar telas encima de los órganos sexuales de algunos personajes para evitar que esta obra clave acabara desapareciendo.
Escenas sensuales y homosexualidad en la joya del Vaticano. Paradojas del arte.

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*Nudo, arte e decoro, oscillazioni estetiche negli scritti d' arte nel Cinquecento, de Elena Lazzarini.

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Artículo de Corriere della Sera [pincha aquí]

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Imagen 1: El fresco de La Creación de Adán, uno de los más importantes de la Capilla Sixtina.

Imagen 2: Detalle de El Juicio Final representando a 2 hombres abrazándose cariñosamente.

Imagen 3: Detalle de El Juicio Final, donde se ve a un condenado que, agarrado de los testículos, es bajado al Infierno.
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Tanto monta...monta tanto, Isabel como Fernando

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En 1475, seis años después de que Isabel y Fernando contrajeran matrimonio, los esposos firmaron la CONCORDIA DE SEGOVIA. Este tratado establecía los poderes que le correspondían a cada uno de los monarcas. Isabel quedaba como titular de Castilla y su marido de Aragón. Sin embargo, los dos tenían plenos poderes sobre cada uno de los reinos. De hecho, todos los documentos oficiales de la época se harán en nombre de “el Rey y la Reina”, si están juntos, o en nombre uno de los dos, si no lo están, con igual validez. Formarán un bloque imposible de dividir, hasta el punto de que será difícil diferenciar entre lo que se hace por iniciativa de uno o de otro.

Cada monarca tendrá unos símbolos distintos, que se repetirán tanto en las acuñaciones de moneda, como en edificios públicos, escudos…: el haz de flechas atadas con una cuerda identificará a Isabel, mientras que el yugo con el nudo gordiano aludirán a Fernando. Será precisamente este nudo del que provendrá la famosa expresión “TANTO MONTA”. Para entender su origen, nos debemos remontar a los años en los que Alejandro Magno emprendía sus acciones conquistadoras por Oriente. El historiador romano Quinto Curcio, nos cuenta que Gordias, un campesino de la ciudad de Gordión, llevaba sus bueyes atados al yugo con un nudo tan difícil que era imposible desatarlo. Pronto comenzaría a circular la leyenda de que el que consiguiera liberar el famoso nudo se haría con el poder de Asia. Alejandro se apresuró a deshacerlo y, tras varios intentos infructuosos, cogió su espada y lo partió por la mitad, diciendo “da lo mismo (tanto monta) cortar como desatar”. Finalmente, el macedonio acabó siendo dueño de Asia.

Esta anécdota se la trasmitió Antonio de Nebrija al rey Fernando, al que le gustó tanto que decidió tomar la frase como su emblema personal, lo que llevó a Maquiavelo a inspirarse en él, simbolizado con tan curioso lema, para escribir su famoso Príncipe.
Así, al contrario de lo que se pueda creer, el “Tanto monta” NO es una divisa de los Reyes Católicos, sino únicamente de Fernando. Por otro lado, el famoso “tanto monta, monta tanto, Isabel como Fernando” apareció mucho después del reinado de los Reyes Católicos: su origen data de la España de los años 40 del s.XX, es decir, en plena dictadura franquista, lo que no nos debe extrañar sabiendo que en estos años, el reinado de Isabel y Fernando se veían como paradigma de esa España grande y unificada que se pretendía crear.

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Imágen 1: Isabel y Fernando, los Reyes Católicos.

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Imágen 2: Un real de época de los Reyes Católicos, en el que sale representado el escudo de los monarcas, por una cara, y por la otra el yugo -con el nudo gordiano- y las fechas.

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Imágen 3: Alejandro Magno cortando el nudo gordiano, de Jean-Simon Berthélemy

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Imágen 4: Detalle de un techo del Palacio de la Aljaifería (Zaragoza), con la representación de los símbolos de los dos monarcas españoles.

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La muerte de Felipe el Hermoso

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Felipe el hermoso murió en Burgos el 25 de septiembre de 1506. Todavía hoy, cinco siglos después de su muerte, aun se sigue hablando de cuál pudo ser la verdadera causa de su fallecimiento. Las fuentes de la época nos hablan de que tras jugar intensamente a la pelota, bebió demasiada agua fría, lo que, al parecer, le llevó a tener unas terribles fiebres que acabaron con su vida días después. Sin embargo, muchos son los que opinan que el líquido que tomó el marido de Juana la Loca contenía algún tipo de veneno, que fue el que verdaderamente le mató. Recientemente, los investigadores apuntan a que murió, realmente, de peste, ya que consideran las teorías anteriores como poco creíbles, pero… ¿efectivamente lo son? Son numerosos los casos de deportistas que tras hacer un gran esfuerzo sufren un paro cardiaco que les lleva, irremediablemente, a la muerte. Podemos pensar que a Felipe el Hermoso le pasó algo parecido, aunque, de momento, no hay estudios que den una versión definitiva sobre la misteriosa muerte.
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